"OPÚSCULOS" por Cristina Juárez García (C.J.Ga)

RENE ALMANZA EN BARCELONA: Crónica de pasmos pictóricos y algunas conversaciones transatlánticas.

2010-08-02T10:44:00.000-07:00

"...In my amateur view, the interest I had for talking with an exponent as prepared as Almanza, prompted me to cultivate a personal demand on basic concepts of artistic discipline. I conceived this as a necessary feature to make accurate descriptions, so to adhere to the sense of his referral and personal proclivity. On occasions, when there is an effect of unpremeditated art, the need to understand the phenomenon that generates positive countertransference...." C.J.Ga.

FRAGMENTO DEL TEXTO publicado en INGLÉS a través de la revista "THE CITRUS REPORT": RENE ALMANZA IN BARCELONA (2 de Agosto del 2010)

http://www.thecitrusreport.com/2010/features/rene-almanza-in-barcelona/

RENÉ ALMANZA EN BARCELONA: Crónica de pasmos pictóricos y algunas conversaciones transatlánticas...

2010-07-16T12:42:00.000-07:00

PRIMERA PARTE

“…Enseñándome el dibujo, como un lenguaje que habla no solo de lo que representa si no de tu carácter mismo al trabajar, se da una especie de reflejo de la esencia del creador en su criatura. Eso ha sido un aleccionamiento muy importante, ya que como sus mismas piezas lo demuestran, Rene está inmerso en cada una de ellas. Cada parte de su obra está perfectamente relacionada con el todo...” Javier Arjona Juárez,artista oaxaqueño.Junio del 2010, Xalapa- Veracruz, México

La primera vez que escuché el apellido Almanza^*1 fue de la boca de otro artista. Es curioso que en los años posteriores, cuando decidí medrar mi inexperiencia en el aforo de las reseñas de arte, la principal disposición para obtener referencia de otros expositores vino de la voz del propio René. Cómo bien lo refiriera el regiomontano Alfonso Guevara^*2, licenciado en artes visuales con especialización camarográfica: “René Almanza siempre ha mantenido un espíritu comunitario", cualidad que le ha ganado el profundo reconocimiento por parte de sus contemporáneos.

Es por ello que me resulta coherente comenzar ha hablar de su trabajo alterando el orden temático habitual con el que me guío, dejando atrás la costumbre de iniciar la descripción del artista desde la individualidad de sus registros preexistentes. En el caso de René Almanza, resulta más interesante mostrar el reflejo implícito de las imágenes apocadas, esas en las que desmiente, confirma o deja en la duda la teorización discursiva que le aplican sus observantes.

Para este reconocimiento hacia su alcance, es imprescindible compilar una ilación certera de apreciaciones, sean respecto a su obra o en lo dirigido a la humanidad que representa fuera del entorno profesional. La formulación definitoria que mejor concretiza a la figura modélica de René, es la que proviene de los comentarios que se hacen en pro de su secuencia evolutiva. Sospecho que ha sido a través de esta particularidad que se ha desatado la incondicional disposición de las fraternidades laborales en las que se desenvuelve.

Si algo define la fertilidad intelectual de Almanza, y de los artistas con los que concurre, es la afinidad por compartir y conocer toda propuesta experimental que contribuya a labrar aportaciones creativas. De ahí que no me extrañase escuchar, de su iniciativa temática, la enorme satisfacción que profesa por el crecimiento conjunto de las personas con las que ha bregado proyectos.

Y es que existe una retroalimentación constante con la mayoría de sus colegas, tanto mexicanos como extranjeros. En la escena de las exhibiciones grupales y en el margen de los actos individuales que sostiene, ha sobresalido el entusiasmo por renovar las dinámicas de “difusión” colectiva. Pese a ello René ha ejemplificado a la perfección que incluso en el ambiente de trabajo asociado, se puede conservar el respeto que fomente la inspiración autónoma.

De dicho modo la probidad humana y la integridad profesional de este representante mexicano, han sido dos de las principales razones que me han motivado a hablar sobre su carrera. Aprovechando los periplos compartidos, durante nuestra estancia en común por Barcelona España, decidí perpeturar la descripción del temperamento que ha reflejado en sus obras.

Después de varias intenciones de abordarle en el pasado, pienso que no ha sido una casualidad el reunirnos finalmente en el círculo lejano a la ciudad en la que radicamos. La similitud foránea fue uno de los elementos que facilitó la inmediata vinculación para el establecimiento de los diálogos en Europa.

Sobre esto resta confesar, que previo a la entrevista que hice a René, quise examinar la transparencia del contenido psíquico y corpóreo sugerido en sus creaciones. Las representaciones visuales, con las que le conocí en mi país y por las que decidí seguirle rastro, refirieron una paradójica relación con la simbolización especulativa que le sostuve. Fue de esta manera que dentro de la urbanidad de Monterrey Nuevo León asenté afinidad primaria hacia sus piezas; mientras que en la metropolis barcelonesca construí centrada compenetración con su reservada ontología.

A partir de la lontananza de observadora, fasciné con los dibujos configurados en trazos olográficos, esos que insinuaban contornos de personajes captados del exterior, extraídos del recuerdo o fabricados de las puntualizaciones oníricas. Identifiqué entonces la repetición de una serie de sujetos con mentalidades duales: aquellos que pregonaban la serenidad estacionaria y los que exaltaban la reflexión disquinésica.

Desde mi postura aficionada, el interés por conversar con un exponente tan preparado como Almanza, incitó una exigencia personal para cultivarme en los conceptos base de la disciplina artística. Lo concebí como un rasgo necesario para elaborar descripciones más certeras, de tal modo que se respetara el sentido del oficio referido y la proclividad personal. Y es que en determinadas ocasiones, cuando la gravitación del arte se da impremeditada, surge la necesidad de entender el fenómeno didáctico que genera contratransferencia positiva.

La pretensión utópica de realizar una narrativa con focalización interna^*19, depende así de la asimilación transferida en la comunicación íntima con el creador. No obstante, sin perderme en la espera de extraer textualidades fundamentales, me he dado cuenta que las obras analizadas aspiran principalmente a la redacción de textos con composición externa^*19. La razón de esto es que la motivación fidedigna de las piezas visuales vive solamente en la reservada realidad de los autores. Como bien lo reconociera René Almanza “…la comunicación en la pintura es una especie de conversación con espacios vacíos, ya que el mensaje que emites no siempre es tan directo… Le quedan lecturas inconclusas que las otras personas completan.”^{(R. Almanza, 2010)}

De esta manera el espectador incorpora su afinidad al quehacer artístico, sea por la atracción estética o por su deseo de consumar los argumentos no exteriorizados. Ignoro si dichas clarividencias son del gusto de los hombres con talento. De cualquier forma se tiene presente que “El arte se exhibe bajo la necesidad ocasionalmente estética de los que precisan y gustan ser contrariados,de los que crean y son recreados”^*20

Tanto el público como los promotores, develan descubrimientos en las nuevas vigilancias. Una vez que devuelven la mirada a los productos concluidos, les vienen verdades que en sus antiguas remembranzas pasaron desapercibidas para su conciencia. Es por eso que me pregunto: ¿cómo existiría la seducción artística sin dar permiso a la particularidad de las glosas?

Si quisiéramos evitar los efectos de las pinturas y los gráficos, habría que cerrar los ojos y vedar la imaginación. Tendríamos que esconder a la gigante que muta en enana para el momento en que se sugestiona. Requeriríamos vituperar el clamor por el entendimiento de las efigies; dejar de exaltar la hechura que reproduce la irrealidad en la sustantividad material. El arte sería como aquella película clásica a la que negásemos hacerle “remake”, porque al atenernos a la justificación de un solo sujeto no le veríamos el atributo personal que nos fuera introspectivo.

Pasando a otro rol ajeno a la tricotomía de emisor, obra y receptor, entra en escena la figura que habla de las interaciones de dichos elementos. Con lo que respecta a mi función de redactora, que duplica a posteriori los términos preguntados al artista, reconozco que jamás he dado con palabras totalmente exentas de conjeturas. Aún habiendo pretendido ser imparcial en mis escritos, se me ha fugado la tentativa de relatar historias de los cuadros que voy contemplando.

A pesar de esta costumbre, la experiencia con cada exponente me ha fomentado la adquisición de una conciencia más recatada. Actualmente respondo con incrementada coherencia a la petición de unir las imágenes con el lenguaje que las detalla. Supongo que la sociedad asimila mejor los textos con los que llega a notar el empeño de los artistas comprometidos.

Si dejo al lado la gremialidad, y las detracciones costumbristas que normalmente se emplean en los informes de una práctica, denoto que como“periodista” de sucesos beneficio la educación de mi cordura. El rechazo a la modalidad jurística, me genera una variante narrativa que concede un conocimiento que es sumamente constructivo.

Creo con firmeza que para reseñar con deferencia y valorar el rigor del ingenio evolutivo, así como la destreza en los procedimientos necesarios para su desarrollo, se debe tener disposición para instruirse. Atendiendo a las enseñanzas sin la planificación rígida de cuestionarios el artista toma postura de desprendimiento docto. De esta forma en que capta la docilidad de sus oyentes, se inclina con confianza a mostrar la erudicción para sus entrevistadores.

Con esta nueva etapa de vigor instructivo, en la que gradualmente se va forjando madurez lírica, se dio la genial oportunidad de crear una crónica completa sobre la asimilación que tuve de los proyectos de Almanza. Agradezco que René compartiera su sensibilidad, acompañándome con amenas charlas durante los últimos días que estuve en el extranjero. Tendré siempre presente en mi mentalidad las disertaciones tan cabales que me transmitió.

Yace la satisfacción de haberle reconocido en un argot distinto al dibujo y a la pintura; saber del recogimiento interior que en ocasiones se confina a los esbozos lineales y a los rostros angulosos de sus piezas. Intuyo que en muchas ocasiones el proceso le ha trascendido fuera del papel, las paredes y los bastidores que firma. En definitivo ha sido bastante interesante hablar del personaje que ha enriquecido su cognición a través de las fuentes vivenciales y oteadas. Se sabe que “la calidad de un pintor depende de la cantidad de pasado que lleve consigo...”^*21por lo que René conserva a prudencia el linaje de su biografía.

Es por ello que mediante ésta reseña descriptiva, aspiro a resaltar la tenacidad caracterial que le ha abierto una vereda para darse a conocer en su asignatura. Por medio de esta crónica bisoñezca, pretendo favorecer la inspiración que impulse a seguir el rumbo de un profesional que ha buscado completarse en cada recorrido. Será un orgulloso recuerdo el mostrar parte del aterrizamiento práctico que el maestro Almanza continúa haciendo en sus traslados.

Aguardo porque la referencia retórica sobre su experiencia expositiva, represente con marcada fidelidad la teorización perenne de sus planeaciones. Dejo a ustedes los fragmentos vivenciales dados en el viejo continente. Espero que estos párrafos añadan una firme educación virtual; confío en que mi narrativa solemnice por largo periodo, el halo de autenticidad que define a nuestro estimado artista regiomontano.

CONTINUACIÓN...

CONTINUACIÓN RENÉ ALMANZA...Una visión general a la jornada de exhibición en Barcelona (Jueves 10 de junio del 2010, 19:30 hrs. Inauguración de la exposición de René Almanza en el RAS Gallery *3, Barrio del Raval, Barcelona-España)

2010-07-16T12:40:00.000-07:00

“Cada vez que veo los dibujos de René Almanza siento una mezcla de amor y odio. Me doy cuenta de que él es una persona tranquila y en sus dibujos hay una especie de lucha con el papel que le da vida a sus trazos, haciendo que a veces parezca ir más allá de la superficie cuadrada que lo limita”

Herbert Baglione, artista plástico brasileño.Junio 2010, Sao Paulo, Brasil.(La nota inaugural de la exposición de René Almanza en el RAS Gallery)

La noche de inauguración dada en la calle de Doctor Dou No. 10, fue todo un éxito de asamblea. El cúmulo de admiradores barceloneses, así como diversos mexicanos radicados en Europa, acudimos a la exposición de René Almanza en el RAS Gallery^*3. El jueves 10 de junio fue la fecha en que el artista presentó de modo presencial, y por primera ocasión para el público europeo, parte de la producción visual que ha mantenido en sus últimos años de brega. Le observamos así en su reconocible faceta de sucesión creativa, exponiendo en un área muy distinta a la ilustración con la que trabajó durante su temprano periodo formativo.

La escena cultural prosperó alrededor de un éter de interesantes tendencias zonales: música parsimoniosa, publicaciones de moda y diseño, así como personajes involucrados en el panorama emergente. La aventura nocturna empezó a desplegarse desde el internamiento bohemio en la urbanidad del barrio del Raval^*4, uno de los sitios más afamados de la ciudad española. La muestra de pintura, dibujo y gráfica del sobresaliente artista mexicano se estableció bajo la curaduría de Maximiliano Ruíz^*10, autor del libro Graffiti Argentina y fundador de “Suben -Latin American Street Art”.

El evento de René Almanza, que se esperaba con previo entusiasmo en la cede de Barcelona, fue difundido en las secciones de algunos medios electrónicos y revistas de diseño gráfico local. Los sitios web del lamono digital^*11, Brooklyn Street Art^*12, Upperplayground^*13 y Juztapox Magazine,^*14 mostraron material fotográfico y reseñas escritas para aludir lo sucedido antes y después de la apertura.

“La imagen es para quien la lee” sugirió el lema de apreciación que René pretendió evocar en la interacción con sus piezas. Fue curioso que le consultaran sobre los patrones grafológicos que le identificaban como reiterativos. Respecto a éstas demandas aclaratorias, Almanza abrió su naturaleza pedagógica y habló con soltura sobre la simbología identificada en sus obras.

Le interpelaron así los perfiles arísticos de sus personajes, la predominancia de los tonos oscuros y el salto espontáneo del color granático. Al ver que las lateralidades de los semblantes despertaban la reproducción mental de un número cuatro, algunos de los espectadores pensaron que refería un guarismo con connotación bibliográfica. Ante tal comparación aritmética, René sencillamente sonrió y esclareció que la grafología se había establecido de un modo inconciente. Después de todo, los lineamientos de Almanza no pretenden quedar totalmente ajenos al entendimiento colectivo.

Aunque sabe que “el trabajo de los artistas es como el de cualquier otro oficio”^{(R. Almanza, 2010)}, admite que “al estar muy adherido a lo básico, se relaciona fácilmente a lo espiritual del ser humano.”^{(R. Almanza, 2010)} En sus esbozos proyectados “un reduccionismo formal hace que todo se vincule, una línea contínua realiza todos los trazos, los alarga, los engrosa, los convierte en un ritual o un enigma, les dota del pulsar expresivo que da vida desde el gesto que se acerca al zen hasta el rostro más definido“^*8^{(F. Benitez 2007)}

Continuando con la trama del evento en el RAS Gallery, es imprescindible referir que la descripción básica de la exhibición de Almanza fue apadrinada con las sensibles y acusadas palabras de otro talento profesional: el artista plástico brasileño Herbert Baglione^*22, a quien tuve el placer de entrevistar durante mi primer mes de residencia en España.

Aún recuerdo que mediante la referencia de René asistí al opening de “Last chance for a slow dance”, exposición permeada en la antigua cede del IguapopGallery. Desde tal acercamiento personal, empecé a interesarme por la modalidad pictórica del laureado representante sudamericano. Además de eso, en el momento en que conversé con Herbert, denoté el afable aprecio que ha sostenido hacia las obras de René. La concordante referencia de sus eventos resumió mi venturosa participación como reseñadora de arte en Barcelona, ya que mi actividad nuclear estuvo fundamentalmente ligada a las cautivadoras observancias que hice sobre ambos artistas.

Debo mencionar, que en respuesta al ensayo de Baglione, se vino un despliegue favorable para la divulgación de algunos de mis textos. La narrativa que hice sobre la trayectoria de Herbert gustó en su forma y contenido, siendo publicada en la página de The Citrus Report,^*15 un prestigioso medio de divulgación electrónica que compila información sobre distintas disciplinas de impacto social.

Volviendo al estupendo hallazgo de leer a René Almanza desde las dicciones de Herbert, me queda reconocerle la exactitud de la semblanza que le aplicó en su nota inaugural. Lo fabuloso de la coincidencia nexial entre estos dos contemporáneos, ha sido la revelación coloquial de la admiración mutua de facultades. Con este tipo de manifestaciones queda demostrado que es posible abrir oportunidad a la praxis emulatoria. La ausencia de rivalidad profesional, y la positividad de la retroalimentación fraterna, son ejercicios meramente juiciosos.

Y es que Baglione comprende los dibujos de Almanza, pero lo hace no solamente desde el punto de vista técnico. El artista brasileño medita las temáticas fragmentadas, asume las transiciones e interpreta las topacidades dicromáticas. Por eso coincido con la percepción “contradictoria” que le añade al discurso gráfico de su colega. Comparto con Baglione, la sensación del temperamento dual que con respeto reclama. Pregunto entonces si la contención de René es una filiación intecionada o un rechazo inconciente del sentimiento retenido.

Desde hace seis años, Almanza ha ido integrando elementos novedosos dentro del papel y el lienzo. Sin embargo, los saltos en los colores, que provocan impacto óptico, han ido introduciéndose con cautela. La reserva ante la adición de tintes provocativos representa probablemente la semiología de “lucha interna” señalada por Herbert en el párrafo descriptivo de la muestra.

Después de analizarlo más de una vez creo concluir que la duda de esta definición es lo que permite estar a la expectativa constante de los cambios de René. Pienso que en determinado trance, decidirá sorprendernos con un salto radicalmente pronunciado. Aguardo para que tome el riesgo de empreder tramas sin inhibiciones residuales. De momento, el debate crítico de sus tópicos será otro aspecto englobado en la fineza del misterio, ese nerón fantasioso que encarcela con recelo.

CONTINUACIÓN...

CONTINUACIÓN RENE ALMANZA...Regresiones memoriales del periodo previo y mediato a la apertura.(Viernes 11 de junio del 2010, 23:30 hrs. Aposento ordinario ubicado Calle Allegre de Dalt 57 *3, Barrio de Gracia, Barcelona-España)

2010-07-16T12:34:00.002-07:00

“Los elementos y eventos que componen las piezas de René Almanza parecen haber estado ahí de antemano, aguardando tras los bordes del cuadro o del papel, esperando un atisbo que les dote de luz, que les descubra y les saque a escena”.

Francisco Benítez^,artista y colaborador activo de TEPconarte.2007, Monterrey-Nuevo León, México.

Fueron múltiples los hallazgos denotados durante la exhibición de Almanza en el Ras Gallery, tan es así que varios de los detalles acontecidos tuvieron que desglosarse en un análisis más particular del evento. Para entender mejor algunas de las referencias que he de resaltar a lo largo de éste y los siguientes apartados, conviene llevar al lector a un retroceso cronológico sobre las actividades que ha realizado René en el periodo circunscrito de su traslado a España.

Primero que nada debo mencionar que dos días previos al inicio de la muestra artística, Almanza me contactó para extender invitación formal a su presentación en el Raval. Meses antes le había solicitado petición para entrevistarle personalmente una vez que llegara a Barcelona. De ahí que me propusiera fijar una reunión laboral, dentro de un contexto de mayor calma, para que atendiéramos los cuestionamientos sobre sus proyectos.

Pese a que el artista mexicano contaba con la entera disposición para recibirme, su apretada jornada de preámbulo técnico le hizo imposible la asistencia al encuentro programado. Con lo anterior, René fijó una nueva fecha para establecer conversaciones. En esto le reconozco que es una persona notablemente cortés, ya que en todo momento ve la manera de repartir esmero a las personas que le buscan.

Distal a obstaculizar la dinámica de diálogo, el suceso anterior dió margen suplemetario para afinar los detalles del curso de la entrevista. En ese día de preparación intelectual, añadido en las impredecibles circunstancias de la cancelación, volví a mirar los vínculos de las publicaciones del blog de René Almanza. Los días previos a la reexaminación de otras fuentes bibliográficas, basé mis alternativas de propincuidad en el historial pericial del artista. No obstante, había olvidado los rasgos psicoanalíticos que tanto me entretiene elucubrar.

Extiendo dispensamiento por la incomodidad que surja a expensas de mi tendencia psicológica. Es inevitable despreciar la unión del oficio letrado con la vocación médica que me es intrínseca. De cualquier forma anticipo que no saldrán indiscreciones de mi boca. Confieso que mi preparación sigue siendo precaria en términos de analizar la interioridad con comparativas arqueotípicas.

Lo más íntimo que alcancé a divisar de la “conformación Almánzica”, fue la identificación del acusado asombro incorpóreo que le constituye. Y es que de todos los videos de René, compilados en su página personal, llamó a mi curiosidad la grabación del 2009 titulada “Proceso”^*2, una secuencia improvisada en la que el artista juega con la tinta de su herramienta de trabajo. A lo largo de la breve reproducción, Almanza lanza disparos brunales que corrompen la cristalinidad del agua contenida en un recipiente. Con la sutilidad de la musicalidad somnífera, así como la cándida distracción en la acción natural que reproduce, el autor confiesa las cualidad cinestésica que le hace interpretar al mundo de un modo diferente.

Al darme cuenta de dicha familiaridad creativa, me fue más fácil despojarme del nerviosismo de novata y disfrutar con bonanza la asistencia a la muestra del maestro René. Haciendo la regresión a la sala del Ras Gallery, recuerdo que la primera cuestión que pude observar sobre las piezas del exponente mexicano, fue el lenguaje lineal y caligráfico que me había referido uno de sus colegas. Durante nuestras conversaciones afables, el artista visual caribeño Edgar Argaez Calderón^*6coincidió con algunas de las descripciones que se han establecido respecto a la obra de Almanza.

Gracias a las atinadas disquisiciones del estimado muralista tropical, logré entender que aunque la apariencia de las creaciones de René exaltan un periodo de legitimización en estilo rígido, aún evocan el germen prototípico de la búsqueda constante por constituirse como ente integral. De esta manera, el linaje gráfico y pictórico de sus piezas, ha tratado de exaltar el lugar y tiempo en el que se van desarrollando. La formalidad dictaminal de su arte señala que “el pintor se consolida como ser humano a través de las imágenes que hace, pudiendo al mismo tiempo atravesar su propia época…” _{(R. Almanza, junio 2010)}

CONTINUACIÓN...

CONTINUACIÓN RENE ALMANZA...Regresiones memoriales del periodo previo y mediato a la apertura.(Viernes 11 de junio del 2010, 23:30 hrs. Aposento ordinario ubicado Calle Allegre de Dalt 57 *3, Barrio de Gracia, Barcelona-España)

2010-07-16T12:33:00.000-07:00

Y es que René Almanza “establece los parámetros del territorio de sus superficies a partir de micro-narrativas que se yuxtaponen entre sí, desarrolladas con trazos que a la vez que gestuales, se adscriben también al ámbito de lo caligráfico... Los elementos que les componen son dibujos que adquieren una volumetría acorde a su lugar en la escena: Una serie de signos se reconfiguran para dar paso a un cosmos, contenido en el interior de una cabeza que observa a quien se aproxime…” ^*8 ^{(F. Benitez 2009)}

Con estos términos salidos de la entelequia de Francisco Benítez^*8, colaborador activo del Taller de experimentación plástica de Nuevo León (TEPconarte)^*9, se señalaba la adición de los diversos “ingredientes” encontrados en las piezas de Almanza. Al mirar la colección traída a Barcelona, de inmediato identifiqué la repetición estilográfica mostrada con anterioridad en la antigua presentación de FLUX^*6, puesta acontecida en octubre del 2009 dentro de la Galería del Consejo para la Cultura y las Artes (Conarte) de Monterrey.

Desde la asimilación óptica captada en ese evento, empecé a tener afinidad por la descodificación de imágenes que se consideraban una “suma conjuntos infinitos”. Por aquel entonces quedé atraída con los trabajos de René y con la teoría del matemático alemán Georg Cantor^*7. Las conjeturas racionales del pensador germánico destacaban que “el todo no es necesariamente mayor que algunas de sus partes…incluso el segmento mínimo tiene tantos fragmentos como el segmento más amplio del universo.”

Bajo la sombra de estas afirmaciones hipotéticas, medito sobre cómo se ha establecido la sumatoria visual de Almanza. Opino que la respuesta a esta abstracción, viene de la revisión de locomociones acometidas en forma individual y asociada.

Quienes pudieran dar un mejor testimonio de las actividades recientes de René, son las personas que han hecho compendio de sus actos expositivos en los últimos meses. En relación a esto hay que reconocer la aventurada labor de Pricilla Pérez Salem^*24, artista regiomontana quién ha recopilado material audiovisual para la edición de un documental sobre las dinámicas expositivas del colectivo Artecocodrilo^*5.

Al platicar con Pricilla, antes de finalizar el evento de apertura en el RAS Gallery, hizo comentarios reveladores con los que se ratificó la autenticidad disciplinaria de la asociación artística a la que ha acompañado. Hablando específicamente de su experiencia con Almanza, la artista detalló la asombrosa diligencia con la que el exponente se ha adecuado a las condiciones del entorno. Parafraseando sus términos recuerdo haber escuchado las aseveraciones siguientes: “ Desde que René llegó a Barcelona ha buscado las herramientas para seguir trabajando…Ayer no descansó hasta que averiguó la dirección de un taller litográfico…En serio que le admiro la disciplina y la pasión que tiene en su profesión…René es una de esas personas que aprovecha al máximo los tiempos para crear…definitivamente tiene un alto nivel de profesionalismo… ” ^{(P. Pérez Salmen, junio 2010)}

Doy la razón a los anteriores términos… Almanza es un ser humano competente y comprometido con su público y su vocación. Pese a que aún no reajustaba las alteraciones del ritmo circadiano, atendió con interés a las inquietudes discursivas de sus asistentes. Antes de acudir a la muestra artística en Barcelona, el “maestro Almanza”, cómo le llaman en la camaradería del gremio cultural, acababa de volar desde la ciudad de San Francisco.

Sobre este trasvase dado en principios de junio, René señaló su gustoso acoplamiento con dos sobresalientes artistas mexicanos: Uriel Marín^*17y Daniel Berman^*18. Conjugando la hermanandad de oficio, los tres participaron en la exposición colectiva titulada“Las calles Eléctricas”^*16, un concurrido evento desarrollado en el 111 Minna Gallery^*15 de la templada urbe californiana.

Mientras le preguntaba a René sobre las recientes vivencias laborales sostenidas en México y los Estados Unidos, aproveché para afocar mi atención en las expresiones que se iban desatando entre los asistentes. Almanza conversaba con notable fluidez, tanto en la vía de las voces directas como en la comunicación visual de su mesurado arte.

Gusta que en medio de su traslado internacional, sigue conservando el espíritu modesto y despreocupado de su ideosincrasia. Como miembro fundador del colectivo Artecocodrilo^*5 y del taller de gráfica Pata de Perro, veo que René Almanza ha ido consolidándose de un modo autónomo en la escena actual, a la vez que ha fomentado el crecimiento humano en la difusión práctica de aquellas artes visuales que le emergen en paralelo.

La simbiosis fraternal con sus colegas, patentiza el temperamento coherente en el que se conjuga el resultado de los vínculos honestos de enseñanza y apoyo formativo. El arte emergente, que se retroalimenta a si mismo a través de la honrada asociación, ha extendido una nueva contribución geográfica, esa que trasciende a generar desafíos edificantes y a derrocar rivalidades decadentes.

Finalizo así esta primera crónica de las experiencias con ALmanza en Barcelona.

Espero completar el resto de registros que hice de sus abordajes en la prontitud de mis planeaciones. A mis estimados lectores le dejo una interesante frase hecha por Jonas Edward Salk, medico-epidemiólogo estadounidense quién expresa en términos conscisos parte de la filosofía que alguna vez le escuché al destacado artista regiomontano. La citación señala que “la recompensa del trabajo bien hecho es la oportunidad de hacer más trabajo bien hecho”. En palabras del maestro René creo que la enunciación diría: “es importante tener presente que cuando terminas una producción hay que seguir inmediatamente hacia adelante…” ^{(R. Almanza, junio 2010)}

Julio 2010, Monterrey, Nuevo León, México.

Cristina Juárez García.

PROXIMAMENTE LA SEGUNDA PARTE DE LA CRÓNICA...

TRADUCCION EN CASTELLANO... Sobre la exposición de Herbert Baglione en Barcelona: "Last chance for a slow dance".

2010-05-10T07:34:00.000-07:00

Un rostro flotante reposa en calma dentro una sustancia que no inmuta su quietud. Se aprecia el rasgo de aquella mirada que carga el tono de una insinuada y perpetuada melancolía. El gesto conjunto del pálido semblante, que cuelga en la pared sobria de cierta galería, simula mantener una estampa de reservas que se pinta en el silencio; posiblemente terminando por evocar la razón de una abstracción sofocada en pensamientos.

Caos, intimismo, pasmos del órgano humano, figuras corporales que recuerdan ser reflejo de los declives individuales…Intuyo que alguien expresa con discursos gráficos una observancia concreta de los ahogos cotidianos. Los rasgos visuales vienen de Herbert Baglione^*1, un artista que provoca el raciocinio instintivo en los asistentes que miran sus creaciones, generando el choque que se percibe en mensajes diversos hallados en el rodeo de una momentánea agitación mental.

Las imágenes abocan una representación de la reticencia con la que reposa el ser humano en el retraimiento. Atañen una paralización desde el magnificado bombardeo de tumultuosas pesquisas; un escarceo en medio del cuál es difícil moverse como el ente que toma sus propias directrices sin quedarse zambullido en las dubitaciones.

Los protagonistas de los cuadros observados desechan barroquismos de ideas, efigies saturadas que se arrastran desde sus cabezas, que fugan por sus oídos o brotan desde sus bocas. ¿Acaso ha cedido la intención de reclamar por diálogos concretados el efecto de las meditaciones?.. Miro a un diminuto hombre que descansa sobre la mitad de los cabellos mojados del rostro que le sirve de barco…Me pregunto en qué piensa ése ser solitario; sencillamente está sentado al filo de una penumbra que pudiera simbolizar la nada, siendo que al mismo tiempo representaría el solemne telón que oculta la repleción de retratos que le rodean…

Las pinturas entretejen una historia e interpretación variable ajustada a los ojos de cada observador, acercándose o alejándose de las motivaciones reales por las que se formaron...Cómo bien señala el escritor mexicano Doménico Cieri Estrada^*5 “El arte es una pausa, un encuentro de sensibilidades”.

Sucede entonces, que después de esta remembranza de huella emocional, me integro a la descripción del evento en el que estuve involucrada hace unos días, ello mediante la moción de mi primera reseña de exposición para el colectivo Artecocodrilo. ^*15

Fue el jueves 22 de abril cuando arribé al punto de tertulia referido. En el momento en que entré a la estancia tan solo había transcurrido media hora desde el itinerario de apertura a la muestra artística en el Iguapop Gallery^*2. El afamado sitio de reunión, ubicado en la calle Comerc 15 de Barcelona España, se complació en compartir durante la templada noche las más recientes obras deHerbert Baglione, uno de los máximos exponentes pictóricos del movimiento urbano en Brasil.

"Last chance for a slow dance"^*3 fue el título de la esperada exhibición, una muestra que permanecerá abierta al público hasta el día 29 de mayo del presente año. El tema del despliegue refiere un aire taciturno al correlacionársele con el impacto que genera el conjunto de las imágenes diseñadas por el exponente iconográfico. Más que un disfrute estético en el cúmulo de pinceladas multicolores y trazos blanco y negro, el trabajo expuesto por el artista sudamericano, alude un reflejo de las influencias existencialistas que han acompañado las motivaciones creativas de su comprometido talento.

Herbert Baglione detalla el contexto de la exposición como una alegoría del ente que yace en una especie de féretro, confundido por la saturación de elementos del entorno que le sobrecogen. Con esta disquisición es inevitable que venga a la memoria su temática constante del “medio caótico”, una estimulación expresada con anterioridad en el documental “The Run up”^*4 material audiovisual filmado hace unos años en Sao Paulo Brasil bajo la dirección de Shaun Roberts^*4

En dicha serie documental el artista citaba al dios Chaos de la mitología griega, aludiéndolo como elemento aclaratorio de la etimología sustantiva que representa el vacío. Desde antes de esa referencia informativa, tal concepto ha tomado importancia en su labor, siendo así que se señala reflexivo sobre los corolarios del desconcierto en la abstracción existencial:

“…Cuando te encuentras a ti mismo en un cuarto con un millón de cosas adentro, terminas por no ver nada… el caos es cómo eso . El exceso de información o de gente en las grandes ciudades puede resultar atractivo, a la vez que te lleva al vacío porque te pierdes completamente…” H. B.^*4

Y es que de modo particular, la ontología articulada en las pinturas de Baglione, denota cohesión con el carácter franco y sereno que emana. Alejado de ambiciones de rebosamientos, conserva un agradable rasgo que se ve evidenciado desde la amabilidad de su trato y a través de la atenta espontaneidad y sensibilidad de sus discursos. Fue gracias a esta disposición para comunicarse que platicamos generosamente sobre la temática de la muestra actual y de otros aspectos del trabajo artístico que previamente ha producido.

El inicio de la conversación

Llevaba un cuarto de hora mirando la sucesión de cuadros dentro de la galería, verdaderamente es estupendo que las obras emotivas sean capaces de sustraerte del contexto bullicioso de las concurridas aperturas. Lo más común es que el espectador llegue a deleitarse con la sugestión de la observación dentro de los espacios tranquilos, ya que de primer efecto sencillamente se tiene oportunidad de apreciar una captación efímera cuando te ves acompañado de personas alrededor.

Ante esta plácida antesala, busco a Baglione para preguntarle más sobre los pasmos generados en la exhibición; por fin le encuentro entre los rostros del colectivo y le expongo mi interés por entrevistarlo. Extiende una salutación franca y espontánea, tal como la ofrece en el semblante cordial dirigido a todos los que le abordan.

Desde el primer momento del conocimiento de mi intención, comparte la amable disposición para entablar la conversación en una atmosfera más calmada. Tomamos posesión de la acera dispuesta enfrente de la galería y me sorprende en la condición de neófita entrevistadora. En un instante de improviso rompe la clásica dinámica de orden en el que se inician los interrogatorios al artista, de modo que comienza por inquirirme para compartir la impresión que tuve de lo observado .

La opinión que le manifiesto se resume en dos términos: “impacto” y “mayor entendimiento”; lo primero es un efecto que me ha gustado y lo segundo señala un aspecto que me encantaría desarrollar en relación a la apreciación de sus cuadros. Con ello no me refiere disgusto a la pretensión de interpretar las figuras conjuntas que plasma en las paredes o los lienzos; el arte en sí debe valorarse en un carácter espontáneo y menos discursivo. Mediante la expresión personal ataño más bien la necesidad de adquisición de algunos elementos absortos, esos que me contribuyan a llenar el criterio con un proceso dinámico y reconcentrado dentro de mi rol concurrente.

Baglione señala que para él es importante el concepto de la simbiosis entre el artista, el trabajo mostrado y la interacción indirecta con quién lo mira. Parafraseando sus conceptos recuerdo que diagonalmente retomaba parte de la noción señalada por el poeta estadounidense Henry Longfellow Wadsworth^*6: “El arte es duradero, y el tiempo es veloz”. En términos del artista brasileño me expresaba puntualmente que “el proceso de creación de una pintura puede llevar meses, siendo curioso que el efecto de su reflexión por parte del espectador dure unos pocos instantes…”

Dicho fenómeno lo considera paradójico, Baglione reconoce que la circunspección artística queda inherente a la retroacción con los asistentes. Diría el cineasta italiano Roberto Rosellini^*7: “El arte es subjetivo…se vuelve objetividad cuando sus destinatarios, después, se dejan envolver por él”. Vaya que entramos en uno de los tópicos más debatidos en relación a las críticas visuales.

Aunado a lo anterior, comentamos en afinidad que la idiosincrasia moderna tiende a funcionar en un estatus de olvido acelerado. Una particularidad que se aplica no solamente en el ámbito de la comunicación gráfica sino también en el área de respuesta emotiva al diario acontecer social. Se retoma la idea clásica de la amnesia del dolor y la desgracia, ignorando el porqué se repite y acrecienta su práctica . Tal parece que se fomenta la respuesta como un mecanismo adaptativo a la saturación de sucesos e información. Razón por la que interesa el reclamo mediante la fuga de la declaración pictórica.

Hablando sobre sus comienzos y evoluciones .

Dejando a un lado la temática de la impresión dada por la exposición, extendí solicitud a Baglione para que me compartiera el desarrollo de sus actividades artísticas previas. Fue así como llegamos a la revisión de sus influencias iniciales y a la descripción de sus evoluciones creativas.

Tal y cómo se reseña en diversas fuentes de información, me expresó que desde los tres años de edad empezó a desarrollar las habilidades de representación pictórica, en parte desde la inspiración en los soportes de su hermano William Baglione^*8y motivado por sus propias inquietudes metafísicas.

Del mismo modo en que lo describe el material audiovisual de Shaun Roberts^*4, sale a relucir que el aprendizaje en sus experiencias con la infancia se dio como un proceso automático e inconciente. En una especie de búsqueda por encontrar un elemento que lo diferenciara como individuo, no tanto por lo que tenía que mostrar a la gente sino por la sensación que le provocaba internamente el diálogo indirecto: “algo que se necesita para mantenerse vivo” H. B.

Con todo esto llegamos inevitablemente al contenido del graffiti y el Street art, concepto de expresión urbana que le sirvió de ejecución para el desarrollo temprano del sentido de su intimismo, justo cuando empezaba a enfocarse en las estimulaciones específicas del sentido de sus primeras creaciones. Sobre esto, Baglione expresa, sin dejar a un lado el respeto y la reserva que caracteriza sus opiniones, que actualmente se aleja algo de la preferencia hacia este modo de manifestación estética, ello a razón de que ha percibido que en numerosas ocasiones los artistas emplean dicho recurso como un modo de afrontamiento autopublicitario, alejándose subsecuentemente de la introversión esmerada de los contenidos.

Ahora bien, reteniendo el punto de las inspiraciones, el artista me comentó su agrado por las concentraciones escritas por autores como Zygmunt Bauman^*9, sociólogo polaco de la posmodernidad que ha abordado temáticas sobre la variedad y fluidez de las conductas generales; analizando también la fragilidad de los vínculos humanos y la levedad e inconstancia que conforman los miedos en la sociedad contemporánea.

He de mencionar que como espectadora y relatora de la muestra exhibida, me resulta importante reconocer esta moción en el pensamiento del artista entrevistado. Usualmente los trabajos gráficos de Baglione llevan un transfondo de meditaciones sobre la existencia y toman particularidad por las exploraciones sobre el individualismo, la familia o la conmoción de caos. Con frecuencia descubren crítica en irreverencia tenue por medio de determinados personajes que aproximan el sobresalto de la imperfección humana.

Las historias de sus cuadros plasman protagonistas que resaltan en figuras dolientes con obesidad o anorexia, “llevando subsecuentemente a una provocación pública y juego necesario entre el gusto por la obra y la contradicción reflexiva”^*4; a la par de que retoma la mítica de la muerte y el vacío, de la decadencia y la inhibición.

Recaptura de una trayectoria y descripción de los elementos gráficos.

Al observar los antiguos trazos de Herbert Baglione, me percato que el elemento de laberinto especulativo sobresale siempre en la saturación de elementos gráficos que prorrumpen como pensamientos o voces ornamentadas por parte de los personajes de las obras.

Pese a este talante, aludiendo a los cuadros presentados en la muestra del Iguapop Gallery, se logra definir que el conjunto de las pinturas se ostenta en un aire limpio y elegante. La impregnación entra en un equilibrio por el cual no se rechaza la contemplación del cuadro, incluso en su embate de excesos. Por el contrario, se puede disfrutar de un atrapamiento único hacia las figuras colosales y diminutas que provocan la quimera de las historias.

Baglione refiere que anteriormente pintaba mucho en bicromías de blanco y negro, preferencia ilustrativa que gradualmente se ha mezclado en variadas tonalidades que le adicionan rasgos llamativos. Sin lugar a duda, su técnica es tan etérea como la aproximación que sostiene en sus temas. Pareciera que combina las figuras con el cuidadoso minimalismo que inevitablemente nos recuerda al Art Nouveau del pintor e ilustrador inglés Audrey Beardsley.^*10

Por otra parte, aunque no es fácil encontrar una referencia congregada de todas las participaciones Baglione, se sabe que desde hace años ha expuesto en importantes galerías de su lugar natal, teniendo impacto agregado en ciudades como San Francisco (U.S.A.), Madrid-Barcelona-Valencia (España), Lüeneburg (Alemania), Lisboa (Portugal), Tokyo (Japón), entre otros.

Su trabajo se ha dado a conocer en importantes medios impresos como el Modart Europe Magazine, Experimenta Magazine, The New Ordery Luxe Magazine^*11. Además, en el 2008 se involucró en un proyecto colaborativo de Upper Playground para el diseño de piezas Adidas, la compañía multinacional alemana de artículos deportivos.

Otra de sus asistencias, alternas a la exposición en el ámbito de los muros urbanos y las galerías, detallan la aportación de imágenes para una edición especial de gorras New Era, proyecto compartido con las formaciones gráficas por parte de Jeremy Fish y Chuey^*12.

Finalizando conversaciones

En resumidas cuentas me quedé con una excelente impresión del despliegue "Last chance for a slow dance". El encargo de la reseña del evento resultó una completa fruición, tanto en la meditación de las obras como en la agradable conversación que sostuve con Herbert Baglione. La aptitud de soltura y desenfado, que mantiene el artista en todo momento , permite el alcance inmediato por el que se estrecha la cálida relación entre el creador y el individuo que observa su trabajo.

Definitivamente me hubiera gustado abordarle en más aspectos de sus planes inmediatos para las siguientes instauraciones pictóricas, no obstante intuyo que habrá ocasión en la que quede tiempo para una mejorada conferencia. Como bien le sugerí antes de despedirnos, sería un honor recibirlo en alguna exposición de nuestro país ya que nunca ha expuesto en México. Baglione tiene cierta simpatía por las expresiones culturales del día de Muertos en nuestro territorio, de modo que le resultaría afín compartir la vivencia que concierne la tradición.

Para finalizar esta reseña, extiendo mi particular admiración a la profundidad del arte de Herbert Baglione, pero sobre todo agradezco la simplicidad del lema que me refirió para plasmar en la reseña. La expresión enunciada fue “Vivir con menos”, una idea acertada para resaltar la sencillez que se requiere en el carácter para trasmitir lo mejor del individuo de esta época.

Cabe recordar, por medio de la temática expresada en "Last chance for a slow dance", que “nuestra sociedad no conoce prelación, codificaciones definitivas, centro, solo estimulaciones y opciones equivalentes en cadena. De ello proviene la indiferencia posmoderna, indiferencia por exceso, no por defecto, hipersolicitación, no por privación” *¹³ Es por ello que la esperanza que debemos mantener es que “La simplicidad es el logro final. Después de que uno haya jugado con una cantidad grande de notas, es la simplicidad la que emerge como una recompensa del arte” *¹⁴.

Abril del 2010, Barcelona, España.

ANEXOS SOBRE EL ENSAYO DE HERBERT BAGLIONE...

2010-05-10T07:33:00.000-07:00

^{^*1Herbert Baglione comparte el proceso y exposición de su trabajo artístico a través de los siguientes blogs de la web:}

http://herbertbaglione.blogspot.com

http://baglione.blogspot.com

http://reinkingprojekte.de

^*2Iguapop Gallery es un espacio del barrio de Born en Barcelona España que ofrece la exhibición de arte urbano y arte popular contemporáneo, entrando en operación desde septiembre del 2003. Para mayor información visite el sitio http://www.iguapop.net/

^*3"Last chance for a slow dance”Para mayor información sobre la exposición visite el sitiohttp://www.facebook.com/event.php?eid=110732365632449&index=1

^*4 “The Run up“ An Artist Documentation Series. Upper Playground and FIFTY24SF Present: Herbert Baglione in Sao Paulo directed by Shaun Roberts http://www.youtube.com/watch?v=UZfhKB7LClc

^*5 Doménico Cieri Estrada (1954-actualidad) es autor de libros como "Tómese su Tiempo", "Cavilando y Meditaciones". Recibió el premio literario nacional "Histonium" en Italia (1989).

^*6Henry Longfellow Wadsworth ( febrero de 1807 – marzo de 1882) fue un poeta estadounidense que autor de trabajos como The Song of Hiawatha, Paul Revere's Ride y Évangéline. Realizó la primera traducción estadounidense de la Divina Comedia de Dante Alighieri y perteneció al grupo conocido como los Fireside Poets (Poetas hogareños).

^*7Roberto Rossellini (mayo de 1906 - junio de 1977) fue un cineasta italiano que fungió como uno de los directores más importantes de su país.

^*8William Baglione: http://www.famiglia.art.br/

wbaglione@gmail.com

william@baglione.net

^*9Zygmunt Bauman (Polonia, 1925) es un sociólogo polaco especializado en el escudriñamiento de las dificultades de la sociedad contemporánea. Es forjador de la cuestionable expresión "miedo líquido" desde el que expresa la clasificación de miedo justificado y miedo diferido. De este último señala la estampa de una inseguridad y vulnerabilidad de origen difuso, tal cual que nos mantiene en un estado de ansiedad permanente.

El autor de libros como “Amor líquido”, “Miedo líquido” y “Vidas desperdiciadas” refiere que la identidad se configura como una responsablidad reflexiva que busca la autonomía del resto y la constante autorrealización; además de que está abocada a la constante inconclusión debido a la falta de un telos en la modernidad tardía

Para mayor información sobre el sociólogo polaco recomiendo visitar los sitios siguientes:

http://www.ucm.es/info/nomadas/19/avrocca2.pdf

http://es.wikipedia.org/wiki/Zygmunt_Bauman

http://www.lecturalia.com/autor/2331/zygmunt-bauman

^*10 Audrey Beardsley (Agosto de 1872- de 1898) fue un pintor e ilustrador inglés que sobresalió en creaciones de crítica a la sociedad victoriana. Satírico e implacable, su obra despertó la admiración y escándalo de la sociedad de su época. La mayor parte de su obra son cuadros en tinta de temática sobre la mitología, el erotismo y las caricaturas. Sus imágenes tienen vastas zonas negras en contraste con otras blancas igualmente extensas, y líneas de detalle fino con otras en las que no hay ninguno, entendiendo incubaciones propias del grabado japonés.

^*11Modart Europe Magazine, Experimenta Magazine, The New Order y Luxe Magazine:

http://web.modarteurope.com/

http://upperplayground.com/wordpress/?p=4321

http://www.experimenta.es/

http://slamxhype.com/category/tno-mag/

http://upperplayground.com/wordpress/?p=9747

^*12 Diseños por Herbert Baglione y Jeremy Fish: http://www.upperplayground.com/new_releases/story/new_59fiftys_designs_by_herbert_baglione_jeremy_fish_4

Diseños por Herbert Baglione y Chuey:

http://www.upperplayground.com/new_releases/story/january_59fiftys_designs_by_herbert_baglione_chuey_46

*¹³Gilles Lipovetsky. La era del vacío. Capítulo II La indiferencia pura. Editorial Anagrama.

*¹⁴ Frédéric Chopin (de 1810 —octubre de 1849) , uno de los más importantes compositores y pianistas de la historia.

^*15Artecocodrilo: http://www.artecocodrilo.com/

JAVIER ARJONA: Electrografía

2009-05-21T00:51:00.000-07:00

Primera colaboración con revista COCO hYPER BOX: http://cocohyperbox.wordpress.com/

mostrando el trabajo del artista plástico Javier Arjona Juárez http://www.javarjona.blogspot.com/ , prometedora propuesta del arte oaxaqueño

http://cocohyperbox.wordpress.com/2009/05/21/javier-arjona-electrografia/

PERFIL DE COLABORADORA EN REVISTA COCO hYPER BOX

2009-05-16T09:48:00.000-07:00

Información personal como parte del equipo de colaboradores en la revista

http://cocohyperbox.wordpress.com/colaboradores/